Dans la lignée du Billy Wilder de Camerone Crowe, Bertrand Tavernier enrichit son édition d'Amis américains par des entretiens inédits - notamment avec Alexander Payne, Quentin Tarantino et Joe Dante - et de prestigieux documents iconographiques.

Un couple, homme et femme - de n'importe quel étiage social -, vient voir ses épreuves d'essai.

Neuf fois, j'allais dire onze fois sur dix, vous constaterez que la femme s'absorbe sur les portraits du mari pendant que le mari, non moins hypnotisé mais sur sa propre image, semble à cent lieues de seulement penser à l'image de sa moitié.
[ . ] si bonne est l'opinion de chacun sur ses mérites physiques que la première impression de tout modèle devant les épreuves de son portrait est presque inévitablement désappointement et recul.
[ . ] quelques-uns ont l'hypocrite pudeur de dissimuler le coup sous une indifférente apparence, mais n'en croyez rien. ils étaient entrés défiants, hargneux dès la porte et beaucoup sortiront furibonds.
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Depuis son invention en 1839, la photographie est au centre de nombreuses controverses et de procès retentissants. L'image se place en effet au coeur des enjeux éthiques ou strictement légaux qui ont été menés aux XIXe et XXe siècles. Symbole de liberté d'expression et de droits individuels, mais aussi de pouvoir et d'argent, la photographie est confrontée régulièrement aux autorités, à la censure ou à la manipulation. Elle a suscité dans le monde de l'art, de la politique, de la science, du journalisme, de la mode ou de la publicité des débats passionnés qui se sont souvent terminés devant les tribunaux. Une majorité de grands photographes ont été entraînés dans des procédures judiciaires ou des controverses qui eurent un impact important sur leur carrière. Le livre présente un large choix de photographies, célèbres ou méconnues, qui ont fait l'objet de procès ou de polémiques, des débuts de la photographie jusqu'à l'art contemporain. L'ensemble permet ainsi de mieux comprendre le regard que les sociétés et les cultures portent sur les images de leur temps et d'envisager les débats actuels d'un oeil critique.
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Wajdi Mouawad fasciné par Le Retour du fils prodigue de Rembrandt, c'est le chemin de l'écrivain vers le pays perdu de son enfance, ses couleurs, sa lumière, sa langue. Comment l'auteur de théâtre a, pas à pas, été conduit vers ce nouveau texte, qu'il porte seul en scène et qu'il offre ici depuis sa genèse jusqu'à sa révélation au public.
«Né au Liban en 1968, Wajdi Mouawad est auteur, metteur en scène et comédien. Après avoir quitté à huit ans son pays d'origine, il a vécu en France quelques années puis a émigré avec sa famille au Québec. Diplômé de l'Ecole nationale de théâtre du Canada en 1991, cofondateur du Théâtre Ô Parleur, il signe des adaptations et des mises en scène pour les théâtres les plus importants de Montréal. De 2000 à 2004, il dirige le Théâtre de Quat'Sous à Montréal. En 2005, il fonde au Québec, avec Emmanuel Schwartz, Abé carré cé carré, et en France Au carré de l'hypoténuse, compagnies de création. Ses pièces sont publiées par Leméac depuis 1996, la plupart en coédition avec Actes Sud-Papiers : Alphonse (Leméac, 1996), Les Mains d'Edwige au moment de la naissance (Leméac, 1999), Littoral (coédition, 1999), Rêves (coédition, 2002), Incendies (coédition, 2003), Willy Protagoras enfermé dans les toilettes (coédition, 2004), Forêts (coédition, 2006), Assoiffés (coédition, 2007), Le soleil ni la mort ne peuvent se regarder en face (coédition, 2008). Il a également publié un texte dans la collection "Heyoka Jeunesse", Pacamambo (2000), et un roman, Visage retrouvé (Leméac/Actes Sud, 2002), dont il a été tiré un spectacle : Un obus dans le coeur (paru dans la collection ''D'une seule voix'', Leméac/Actes Sud Junior, 2007). Parmi diverses récompenses, Wajdi Mouawad a notamment obtenu le prix du Gouverneur général du Canada, pour Littoral, en 2000, et le prix SACD 2004 de la francophonie pour l'ensemble de son oeuvre. Depuis septembre 2007, il occupe le poste de directeur artistique du Théâtre français du Centre national des arts du Canada, à Ottawa.» Lire la suite Fermer

Cet ouvrage dresse un panorama du cinéma d'animation en France depuis la sortie en salle de «Kirikou», de Michel Ocelot. Ce film marque en effet une étape décisive et le début d'une période qui verra éclore de nombreux talents et d'autres films marquants, tels que «Les triplettes de Belleville» ou «Ernest et Célestine». Rédigé par des acteurs de cette épopée, cet ouvrage fait entrer le lecteur dans les coulisses de la création et de la production, parfois mouvementées, de ces films qui font désormais partie de notre patrimoine.

Dans le cadre de l'année des outre-mer en France, le géographe et photographe Frédéric Piantoni propose une exposition itinérante de portraits. D'abord présentée dans l'hexagone (Angoulême, La Rochelle puis Paris), elle rejoindra par la suite la Guyane française et le Suriname. L'exposition rassemblera une série de portraits d'immigrés, tous réalisés par Frédéric Piantoni entre 2006 et 2010, en Guyane française et sur ses marges (rives surinamienne et brésilienne). Ces photographies n'ont encore jamais été présentées au public ; elles sont le fruit du travail personnel du géographe, que ses recherches sur les processus migratoires en Guyane française conduisent sur ce territoire depuis une quinzaine d'années. L'exposition est constituée de quatre séquences (Parcours, Quartiers, Genres et Frontières), comprenant chacune des portraits noir et blanc, ainsi que des photographies panoramiques en couleur qui restituent un contexte. A chaque photographie sont attachées une biographie inachevée et le bref récit d'un parcours migratoire. Le catalogue de l'exposition reproduit l'ensemble des photographies de l'exposition ainsi qu'un texte de Frédéric Piantoni sur le fait migratoire en Guyane qui contextualisent les images. Considéré sous un angle sociologique et ethnographique, ce livre fournit une documentation globale et riche de très haut niveau sur une réalité migratoire complexe et multiforme.
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Lorsque le philosophe Michel Guérin décortique l'oeuvre de Dumas et rencontre le trait voltigeur de Jean Harambat pour un savoureux et savant abécédaire des trois mousquetaires !

Ce livre, qui accompagne l'exposition "1968, quelle histoire !" proposée aux Rencontres d'Arles 2018, présente une cinquantaine d'affiches, choisies parmi les plus emblématiques, entre rêve et effroi, lyrisme et violence. Issues pour la plupart de l'Atelier populaire de l'École des beaux-arts de Paris, ces affiches dévoilent les peurs et les espoirs des étudiants, des artistes qui les ont rejoints et des travailleurs, tous solidaires dans ce vaste élan de contestation qui bouscule l'ordre établi et l'"État bourgeois". Les "affiches de Mai 68", productions anonymes qui ont marqué les avant-gardes de la fin des années 1960, sont immédiatement reconnaissables : dépouillement du matériau utilisé, slogans efficaces, typographie artisanale, tirage monochrome, simplicité du graphisme sont les "marques de fabrique" de cet ensemble, qui fut décliné dans d'autres lieux de création parisiens, mais aussi dans quelques grandes villes, et selon les mêmes principes.  
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Georges et Anne sont octogénaires, ce sont des gens cultivés, professeurs de musique à la retraite. Leur fille, également musicienne, vit à l'étranger avec sa famille. Un jour, Anne est victime d'un accident. L'amour qui unit ce couple va être mis à rude épreuve.

Japon.
Architectures contemporaines.

la bande dessinée a-t-elle sa place au musée ?

s'agit-il d'une forme de littérature ou d'un art visuel ? pourquoi est-elle toujours soupçonnée d'infantilisme ? est-elle indifférente aux problématiques de l'art contemporain ? pourquoi ses origines historiques sont-elles encore un sujet de controverse ? est-elle une forme de contre-culture ou appartient-elle à la culture du divertissement ? cet essai très documenté répond à ces questions et à beaucoup d'autres.
il interroge la place qu'occupe

la bande dessinée dans le paysage culturel aujourd'hui. il retrace les étapes du processus de légitimation entamé dans les années 1960 et en montre les limites, questionnant aussi la politique de l'etat, l'attitude de la presse et les pratiques des éditeurs. il analyse, enfin, les grands handicaps symboliques qui frappent le média. ecrit dans un langage clair, le livre n'est pas dépourvu d'accents polémiques.


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Ce livre dresse le portrait de l'architecte japonais Kinya Maruyama à travers ses carnets de travail et l'aventure d'un de ses workshops, le jardin étoilé de Paimboeuf sur les bords de la Loire, construit par des étudiants japonais et français et dédié aux écoliers de la ville.
Un projet où l'architecture est au service de la poésie : tout commence par un conte écrit par Kynia Maruyama, en référence à une vieille légende japonaise, où s'entremêlent la Loire, la voie lactée, des amants et quatre animaux symbolisant les points cardinaux.

Ce fut un vrai choc alors qu'on se réjouissait encore du prix Essentiel reçu à Angoulême pour la trilogie du Photographe, d'apprendre le décès brutal le 27 janvier 2007 de Didier Lefèvre, le personnage central du livre.
Reporter photographe, Didier Lefèvre, avait rapporté des centaines de clichés et d'anecdotes d'une expédition au coeur de l'Afghanistan en 1986 où, en pleine guerre entre l'armée soviétique et les moudjahidins, il avait rejoint une mission de Médecins Sans Frontières. Frustré de n'avoir pu utiliser tout le matériel pris sur le vif, il avait accepté la proposition d'Emmanuel Guibert de raconter son histoire. Le résultat fut inespéré : "une oeuvre unique dans l'histoire de la bande dessinée, née du hasard d'une rencontre entre un dessinateur et auteur de BD, Emmanuel Guibert, et un photographe, Didier Lefèvre" devait dire Vincent Josse sur France-Inter. Ici, en effet les photos intégrées dans le récit en appui du dessin ouvraient une nouvelle piste graphique et narrative.
Une fois l'émotion, le deuil surmontés les amis les plus proches de Didier Lefèvre décidèrent de tout faire pour garder sa mémoire vivante. Un livre fut très vite envisagé pour faire découvrir le "vrai photographe". A partir des longues heures d'entretiens avec Emmanuel Guibert, le livre ferait découvrir l'étendue du talent de Lefèvre et ses réflexions sur l'image et sur le métier de photographe de presse.
"Notre ambition, résumait Emmanuel Guibert, est plus du côté de livres comme La Ferme du Garet de Depardon que de celui de la bande dessinée. Reste qu'il s'agit du Photographe, qui poursuit son chemin en librairie, qui a déjà été lu par des centaines de milliers de personnes de par le monde".
Au final : des entretiens Lefèvre-Guibert, des photos, des dessins, dans une mise en page de Frédéric Lemercier qui avait signé celle du Photographe.
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Du papier à l'atelier, puis des essayages à la scène, pascale bordet nous ouvre ses cahiers de maquettes et nous livre vingt ans de métier au fil d'anecdotes surpiquées de souvenirs sur l'étoffe de ses plus belles créations.

Avant de produire ses premières oeuvres pop dans les années soixante, andy warhol accumule un important capital d'expérience et de notoriété au cours de sa carrière d'illustrateur.
De 1949 à la fin des années cinquante, il collabore avec des directeurs artistiques réputés de new york et participe aux campagnes publicitaires les plus remarquées. dans les acquis de cette carrière, il puise la matière et le sens de son travail futur. la médiatisation et la popularité de ses oeuvres pop sont éclairées ici par leurs prémices : dessins de chaussures, de fleurs, de chats ou portraits, qui se sont multipliés au cours d'une décennie.
Cet aspect méconnu du travail d'andy warhol est pourtant fondateur de sa démarche artistique.

Le Corbusier (Charles-Edouard Jeanneret, 1887-1965) est considéré comme l'architecte le plus important du XXe siècle et comme le représentant le plus influent du Mouvement moderne.
Ce personnage complexe, au génie extraordinairement inventif et à l'esprit anticonformiste ne fut pas seulement un architecte : homme de lettres, peintre, sculpteur et designer, cet intarissable pourvoyeur d'idées fut également un polémiste brillant et combatif, un propagandiste infatigable.
Par son oeuvre d'architecte et d'écrivain, il a fait de la question de l'urbanisme et de l'architecture un des grands problèmes de la culture de notre siècle.
D'aucuns ont trouvé son oeuvre architecturale dépourvue de cohérence intrinsèque : quel rapport entre la villa Savoye et la chapelle de Ronchamp ? Et pourtant, ce rapport existe, même si Le Corbusier, comme Picasso, a changé plusieurs fois de style. Sa cohérence se situe au niveau de sa conduite, et celle-ci a surtout été, au sens le plus élevé du terme, politique : une politique généreuse, éclairée, de l'urbanisme et de l'architecture.
Le Corbusier est devenu un classique, comme Picasso : tout se résoud pour lui dans la clarté de la forme, et celle-ci résoud tout parce que la forme juste est à la fois la forme de la réalité et de la conscience, de la nature et de l'histoire.
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«La Belle Verte» est une planète appartenant à un autre système solaire. Ses habitants, par la simplicité de leur mode de vie, ont une réelle avance sur nous : ils vivent en concentrant leur savoir, leur force et leur énergie sur le développement de leur corps et de leur cerveau, au milieu d'une nature qu'ils préservent et soignent comme la prunelle de leurs yeux. Une fois par an, ils se réunissent dans le cratère endormi d'un vieux volcan pour décider vers quelles planètes il leur paraît nécessaire d'envoyer des messagers.
Il y a des volontaires pour aller sur toutes les planètes ; mais sur la Terre, trop polluée, trop dangereuse, personne ne veut y aller. Seule une femme, Mila, se décide à partir sur cette planète pour y rechercher son identité puisqu'Osam, le vieux sage, lui révèle qu'elle y fut conçue, lors d'un précédent voyage de son père.
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Pourquoi certains artistes utilisent-ils des crottes d'éléphants, des coquilles d'oeufs, des voitures compressées ou du chocolat pour réaliser leurs oeuvres ? Comment des objets du quotidien peuvent-ils devenir des oeuvres d'art ? Détruire un tableau, estce un geste créatif ?
À travers les collections exceptionnelles du MoMA de New York, ce livre propose de définir l'art contemporain et invite à découvrir le travail de plus de soixante-dix artistes du monde entier des années 1960 à nos jours, de la peinture aux installations, en passant par la sculpture, la photographie et la performance.
Chaque double page évoque deux ou trois oeuvres par le biais d'une technique, d'un procédé, d'un matériau ou d'une idée qui souligne la spécificité d'une démarche artistique : l'utilisation de la lumière, du blanc, des mots, du corps ; la reproduction en série, l'autoportrait, etc. Le lecteur est questionné et incité à réagir sur chacune des oeuvres pour mieux comprendre ce qu'elles provoquent en lui. En fin d'ouvrage, un glossaire et de courtes biographies des artistes permettent d'aller plus loin.
Un livre idéal pour explorer l'art contemporain, se poser des questions et voir le monde différemment.
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