Généralités sur l'art

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Débacles

Jean-Marc Rochette, Jérémie Villet
- Les Étages Éditions
- Les Etages Illustre
- 30 Octobre 2024
- 9782957712946
"Chez Rochette comme chez Villet, une constante demeure : alors que les hommes sont capables de reconnaître des centaines de marques grâce leur logo mais peinent à distinguer les chants d'une demi-douzaine d'oiseaux, ils veulent inviter à s'émerveiller face à la beauté du vivant. Portés par un imaginaire de montagne et de glace, leurs tableaux et leurs photos mis côte à côte deviennent plus forts, plus intelligibles, plus universels. Ils percent la nuit opaque que les hommes ont installée autour d'eux pour dire à tous que, dans un monde en décomposition permanente, la beauté est la seule chose qui perdure."
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Histoire de l'art

Ernst hans Gombrich
- Phaidon France
- Beaux Arts
- 27 Juin 2001
- 9780714892078
Histoire de l'art de E.H. Gombrich est l'un des ouvrages sur l'art les plus célèbres et les plus populaires jamais publiés. Depuis quarante-cinq ans, il demeure une introduction inégalée à l'ensemble du sujet, des premières peintures rupestres à l'art d'aujourd'hui. Dans le monde entier, les lecteurs de tous âges et de tous milieux ont trouvé en Gombrich un véritable maître, qui allie la connaissance et la sagesse à un don unique pour communiquer directement sa profonde affection pour les oeuvres qu'il décrit. Cette Histoire de l'art doit sa popularité durable au style simple et direct de l'auteur. Son but, écrit-il, est "d'apporter un certain ordre, une certaine clarté dans l'abondance de noms propres, de dates, de styles qui compliquent quelque peu les ouvrages plus spécialisés". Grâce à son intelligence de la psychologie des arts visuels, il nous fait percevoir l'histoire de l'art comme "un enchaînement ininterrompu de traditions encore Vibrantes" qui "relie l'art de notre temps à celui de l'âge des pyramides". Le succès toujours grandissant de ce classique va se confirmer auprès des générations futures, avec cette seizième édition, révisée et présentée dans un nouveau format.
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La leçon de cinéma

François Truffaut
- Denoël
- Documents Denoel
- 3 Novembre 2021
- 9782207163986
Entretiens avec Jean Collet, Jérôme Prieur et José Maria Berzosa
Grand format 28.00 €

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Bande dessinée 1964-2024 : Catalogue de l'exposition

Thierry Greonsteen, Lucas Hureau, Anne Lemonnier, Emmanuelle Payen
- Centre Pompidou
- Catalogues Expositions Eco
- 22 Mai 2024
- 9782844269829
Véritable traversée de l'histoire moderne et contemporaine de la BD, l'exposition « Bande dessinée (1964-2024) », présentée au niveau 6, met en dialogue pour la première fois en France ses trois principaux foyers d'expression : la création européenne, les mangas asiatiques et les comics américains. En douze thématiques et par un jeu d'échos inattendus entre les auteurs, elle convoque les imaginaires de la bande dessinée, les émotions qu'elle suscite, ainsi que la diversité des techniques employées. L'aventure, le rêve, le rire, la science-fiction, l'architecture ou encore le récit intime sont autant de thématiques explorées. Parmi la centaine de personnalités incontournables rassemblées, une attention particulière est accordée aux femmes. Le catalogue s'attache à reproduire des planches originales, des dessins de couverture, des carnets, ainsi que des éléments de documentation, mettant en valeur la beauté du trait et la variété des techniques employées, au plus près du processus créatif. L'ensemble des textes est pensé pour offrir une approche accessible et ambitieuse sur un sujet aussi vaste et passionnant que le 9e art. Parmi eux, on peut noter notamment un entretien de Joe Sacco avec le critique Paul Gravett, ainsi qu'un essai de Tristan Garcia : « Bande dessinée et littérature : des sisters arts ».
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L'odyssee d'Homère

Murielle Szac, Catel
- Rmn Éditions
- 6 Septembre 2023
- 9782711879670
Grand format 16.90 €

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Les fleurs par les grands maîtres de l'estampe japonaise

Amélie Balcou
- Éditions Hazan
- 2 Mai 2019
- 9782754110907
Ce coffret met à l'honneur le thème des fleurs, et plus généralement de la nature, si importants dans l'art japonais, à travers une sélection des plus célèbres estampes du genre ancestral du kachô-ga, ces « images de fleurs et d'animaux », de l'époque d'Hokusai au début du xxe siècle.
Dès le début du xixe siècle, face à la politique d'isolationnisme du pays, les Japonais aspirent à plus de liberté, et trouvent dans la nature une échappatoire à la claustration ambiante et à l'asphyxie qui les menace à terme.

Renouer avec la nature, écouter le rythme des saisons, admirer les fleurs de pruniers ou de cerisiers, goûter la fraîcheur du soir, contempler les premières neiges, ou surprendre l'envol des grues ou des oies sauvages sont autant d'occasions de longs voyages ou de simples promenades.
Hokusai et Hiroshige saisissent cette évolution de la société japonaise, qu'ils transcendent dans leurs magnifiques estampes de fleurs.

Conjuguant réalisme et spiritualité, observation directe et interprétation tout empreinte de shintoïsme et de bouddhisme, Hokusai (1760-1849), et Hiroshige (1797-1858) portent à sa perfection la représentation d'une nature magnifiée. Partant tous deux de l'observation de la faune et de la flore, ils en expriment, par des styles différents, la permanence et l'état d'éternel recommencement, en même temps que le caractère fragile et éphémère.

Aucun grand maître de l'estampe n'a capturé aussi bien l'âme de la nature japonaise qu'Hokusai. Pour Edmond de Goncourt, c'est « le peintre universel qui, avec le dessin le plus vivant, a reproduit l'homme, la femme, l'oiseau, le poisson, l'arbre, la fleur, le brin d'herbe [...] qui a fait entrer, en son oeuvre, l'humanité entière de son pays ».

Ces deux grands noms de l'estampe vont inspirer nombre d'artistes, ceux notamment du mouvement shin-hanga (« nouvelles gravures »), tels Imao Keinen (1845-1924) ou Ohara Koson (1877-1945), qui vont à leur tour célébrer les fleurs et la nature, et se passionner pour leurs plus infimes variations, puisant dans leurs formes et leurs textures une formidable source d'inspiration graphique Cette sélection des plus belles estampes dédiées aux fleurs ne se veut pas simplement descriptive mais elle révèle comment les artistes les rêvent, les fantasment et leur donnent une force symbolique propre. Les fleurs deviennent ainsi l'expression des émotions, mais aussi celle d'un rapport profond avec la nature, plus que jamais au coeur des questionnements actuels.
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Tout sur l'art ; panorama des mouvements et des chefs-d'oeuvre

Collectif
- Flammarion
- 9 Octobre 2010
- 9782081238602
Quel est le sens caché des Lignes de Nasca ? Pourquoi Les Demoiselles d'Avignon de Picasso ont-elles tant choqué le monde artistique ? Quelle est la signification des peintures japonaises du XIXe siècle ? Quarante et un historiens de l'art, critiques, experts, artistes ou enseignants ont participé à l'élaboration de cet ouvrage unique pour nous aider à mieux comprendre l'évolution de l'art à travers les âges et les continents.
Plus de 1600 oeuvres commentées, 85 époques et mouvements clés de l'histoire de l'art présentés en détail, 160 chefs-d'oeuvre incontournables décryptés, tous les outils indispensables (repères chronologiques, biographies d'artistes, détails agrandis, index détaillé)
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Les saisons par les grands maîtres de l'estampe japonaise

Amélie Balcou
- Éditions Hazan
- 7 Novembre 2018
- 9782754114905
Grands voyageurs et passionnés de nature, Hokusai (1760-1849) et Hiroshige (1797-1858) ont révolutionné l'art de l'estampe japonaise dès la fin du xviiie siècle, en portant à son apogée le genre du paysage. Peuplant leurs vues de scènes de la vie quotidienne, ils se sont largement appropriés le thème des saisons, au coeur de la pensée japonaise depuis la fin de la période Yamato (250-710). Dès le vie siècle, les poètes s'emparent du sujet en lui associant une iconographie propre : la floraison des cerisiers devient le grand symbole du printemps et le soleil celui de l'été. L'automne appelle à la contemplation des feuilles d'érables et de la lune. L'hiver vient avec les premières neiges... Les artistes, largement influencés par le modèle chinois, s'approprieront ensuite cette vision simplifiée du cycle de la nature. Dès l'époque de Heian (794-1185) émergent de nouveaux genres liés au cycle de la nature, comme les peintures des quatre saisons, des douze mois de l'année et des lieux célèbres. Toutefois, c'est à l'époque d'Edo (1600-1868) que le thème de la nature connaît son plus grand succès avec l'estampe, et plus particulièrement avec le paysage, propice à la représentation des saisons. Avec les illustres Hokusai et Hiroshige en chefs de file, les artistes du paysage capturent toutes les variations de la nature, s'attachent aux scènes enneigées comme aux jardins de cerisiers ensoleillés, aux promeneurs luttant contre la pluie ou admirant les feuilles d'érables rougeoyantes. Ce genre leur survivra, au Japon mais également en Occident où il aura une influence considérable sur l'oeuvre des impressionnistes. Il renaîtra au début du xxe siècle, avec les derniers grands maîtres japonais du paysage et de l'estampe, et Hasui (1883-1957) qui s'attacha autant qu'Hokusai et Hiroshige à la représentation des saisons. Désormais, l'immuable cycle de la nature se fond dans un paysage moderne, bouleversé par les grands changements de la seconde moitié du xxe siècle. Hasui réactualise ce thème intemporel, encore aujourd'hui au coeur des préoccupations du Japon d'aujourd'hui.
Ce petit coffret met à l'honneur ce sujet si cher aux Japonais en proposant une sélection des plus célèbres estampes, issues de l'oeuvre des plus grands artistes du paysage, de l'époque d'Hokusai à celle d'Hasui, et en les accompagnant d'un livret explicatif.
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Mignonisme

Philippe Katerine
- hélium
- Graphic & Design
- 24 Mai 2022
- 9782330168919
"Bien sûr, il y a la fonte des glace, la décrépitude, la trahison, l'agonie. Bien sûr, il y a la mort.
Mais le mignonisme est là, en cherchant bien, à portée de main, pour conjurer le sort et aborder ces rivages incertains, plus apaisé"...

À l'occasion de son exposition au Bon Marché (26 février - 24 avril 2022) Philippe Katerine renoue avec les arts plastiques et signe un livre d'artiste faisant suite à son journal Doublez votre mémoire (2007, aujourd'hui en poche).

Né du confinement, regroupant photographies, dessins et peintures mais aussi sculptures à base de jouets d'enfants, cet ouvrage invite à la douceur et à la beauté des choses dans un monde qui parfois s'essouffle.
Beaux-livres 24.90 €

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Nouv.
Neutre

Yuichi Yokoyama, Laurent Bruel
- Matiere
- 7 Mai 2025
- 9782916383774
Yûichi Yokoyama était jusqu'à présent essentiellement connu en France pour ses mangas radicaux. Neutre réunit pour la première fois bon nombre de ses peintures et de ses collages couleurs et noir & blanc, auxquels s'ajoutent deux bandes dessinées inédites. L'ouvrage offre ainsi une vue étendue sur le monde fascinant élaboré depuis plus de vingt ans par l'artiste japonais : « Je veux dessiner la pure apparence des choses. Quand les insectes ou les oiseaux regardent les hommes, ils ne s'intéressent pas à leur nom ni à leur personnalité. Je m'efforce d'adopter ce point de vue indifférent au monde humain. »
Répondant à ce parti-pris résolument distancié et superficiel où il n'est pas interdit de voir une filiation avec le pop art et l'art minimal mais aussi avec l'ukiyo-e, l'art de l'estampe japonaise, Yokoyama déroule une galerie de portraits composée de personnages énigmatiques (mi-robots, mi-fashion astronauts) et de masques bariolés qui alternent avec des vues de paysages géométriques : chantiers de construction chatoyants, étendues d'eau évoquées au moyen de marqueteries sophistiquées faites de papiers colorés... Autant d'images libérées de toute émotion humaine, de toute sentimentalité, tendues et séductrices comme des enseignes au néon, complexes et déroutantes comme les reflets d'une fenêtre à la surface d'un écran vidéo. Des images dynamiques et éclatantes. Des images neutres à l'égard de leurs regardeur-ses, c'est-à-dire vives, libérées, fulgurantes. Pour Yûichi Yokoyama, « l'art contemporain est similaire à la sensation d'aborder un continent inconnu et de s'y installer avant tout le monde. Les sentiments d'excitation et de joie procurés par cette découverte sont étourdissants. » Telle est l'invitation lancée par Neutre.
[Ouvrage bilingue, français et anglais, coédité avec Fotokino et OK Des Paris.]
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Mucha. maître de l'art nouveau

Collectif
- Éditions Hazan
- 15 Novembre 2023
- 9782754113571
L'artiste visionnaire Alphonse Mucha (1860-1939) a révolutionné le rapport à l'art de ses contemporains en appliquant son esthétique si caractéristique à de multiples domaines comme les affiches, la publicité, la décoration intérieure ou encore le théâtre.
Grâce à sa rencontre providentielle en 1894 avec l'immense actrice Sarah Bernhardt, le Tout-Paris de la Belle Époque s'est paré des oeuvres de ce créateur virtuose, qui a élaboré et imposé le style Art nouveau comme l'avant-garde artistique incontournable en ce tournant de siècle.
L'exposition « Mucha. Maître de l'Art nouveau » met à l'honneur la pensée engagée de cet artiste tchèque, en tant qu'élément constitutif de son oeuvre, empreinte de beauté et d'harmonie.

À côté des célèbres affiches et panneaux décoratifs de l'époque, révélant Mucha comme prophète de l'Art nouveau, cet ouvrage, et l'exposition qu'il accompagne, présente aussi ses mystérieuses et puissantes peintures, encore trop méconnues, révélant la facette mystique et politique de son oeuvre.
À travers près de cent vingt oeuvres provenant de la Fondation Mucha, il met en lumière toute la splendeur et l'évolution de la grandeur artistique de Mucha où mysticisme, symbolisme, identité slave et beauté se côtoient.
Grand format 29.95 €

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Hokusaï ; le fou de dessin (nouvelle édition 2014)

Henri-Alexis Baatsch
- Éditions Hazan
- 8 Octobre 2014
- 9782754107839
Hokusaï : La vague bleue couronnée d'écume qui s'élève monstrueuse au large du mont Fuji, le célèbre volcan magnifié et réinventé par l'artiste dans toutes les nuances des points de vue, des saisons et de la peinture, les ponts bizarres, les cascades du Japon, les contorsions, les costumes, les gestes, les respirations des hommes, des femmes, des paysans, des citadins, des guerriers des artisans, les chevaux qui s'élancent, les oiseaux, les insectes, les poissons presque vivants sur le tissu où ils sont peints, les innombrables dessins d'imagination ou les croquis saisis sur le vif de la Manga, ce recueil de faits et de formes vus ou improvisés au fil des jours...
Avec cette oeuvre de plus de 30 000 dessins et peintures, Hokusaï (1760 - 1849) a été l'artiste le plus prolifique, le plus varié et sans conteste le plus créateur de l'ancien Japon. Génie universel pour tout ce qui était dessin et peinture en son temps, il a pratiqué tous les genres de l'ukiyo-e, les « images du monde flottant » comme se plaisaient à dire ses contemporains pour parler de leurs plaisirs et de leur quotidien.
L'ouvrage retrace la carrière de cet enfant d'un district populaire de l'ancien Tokyo qui s'appelait alors Edo, et l'atmosphère si particulière de cette grande ville et de la vie japonaise quand le Japon, fermé aux étrangers, développait en vase clos une culture puissamment originale. Devenu l'un des grands maîtres de l'estampe, le « fou de dessin » comme il s'appelait lui-même, a été redécouvert par les Impressionnistes et par les esthètes de la fin du XIXe siècle. Il est resté depuis l'une des plus grandes et, par sa personnalité, l'une des plus attachantes figures de l'art universel.
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Le paradigme de l'art contemporain : structures d'une révolution artistique

Nathalie Heinich
- Gallimard
- Bibliotheque Des Sciences Humaines
- 20 Février 2014
- 9782070139231
Dans un article paru en 1999 dans Le Débat, Nathalie Heinich proposait de considérer lart contemporain comme un genre de lart, différent de lart moderne comme de lart classique. Il sagissait den bien marquer la spécificité un jeu sur les frontières ontologiques de lart tout en accueillant la pluralité des définitions de lart susceptibles de coexister. Quinze ans après, la "querelle de lart contemporain" nest pas éteinte, stimulée par lexplosion des prix, la spectacularisation des propositions et le soutien dinstitutions renommées, comme lillustrent les "installations" controversées à Versailles.
Dans ce nouveau livre, l'auteur pousse le raisonnement à son terme : plus quun "genre" artistique, lart contemporain fonctionne comme un nouveau paradigme, autrement dit "une structuration générale des conceptions admises à un moment du temps", un modèle inconscient qui formate le sens de la normalité.
Nathalie Heinich peut dès lors scruter en sociologue les modalités de cette révolution artistique dans le fonctionnement interne du monde de lart : critères dacceptabilité, fabrication et circulation des uvres, statut des artistes, rôle des intermédiaires et des institutions... Une installation, une performance, une vidéo sont étrangères aux paradigmes classique comme moderne, faisant de lart contemporain un objet de choix pour une investigation sociologique raisonnée, à distance aussi bien des discours de ses partisans que de ceux de ses détracteurs.
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Hokusai ; les trente-six vues du mont Fuji

Amélie Balcou
- Éditions Hazan
- 7 Novembre 2018
- 9782754110518
L'intégrale des 36 vues du Mont Fuji, comprenant les dix estampes supplémentaires commandées par l'éditeur d'Hokusai suite au succès de cette série.
« Si seulement les cieux pouvaient m'accorder encore dix ans... Si seulement les cieux pouvaient m'accorder encore cinq ans, je deviendrais un grand artiste. » En formulant ainsi ces voeux à la fin de sa vie, Hokusai (1760-1849), aujourd'hui considéré comme le plus célèbre artiste de son époque, exprime son éternel quête de la perfection.
Au début des années 1830, il entreprend sa suite colorée des Trente-six vues du mont Fuji, et parvient ainsi à l'apogée de sa carrière. Consacrée tout entière au paysage, la série présente le mont Fuji selon une multitude de points de vue et de cadrages. Voyageur infatigable, Hokusai, passionné de nature, explore toutes les facettes du volcan. Parfois solitaire et majestueuse, ou esquissée dans un horizon lointain, en grande spectatrice du monde des hommes, la montagne sacrée est inébranlable malgré les saisons et le temps. Mais elle n'est pas le seul élément d'observation : le peuple, dans toute sa diversité, s'affaire, occupé à toute sorte d'activités quotidiennes, parfois en symbiose avec son environnement, paisible et bienfaisant, ou au contraire, en prise avec une nature souveraine, magnifique et impitoyable, comme pour La Grande Vague de Kanagawa. Il capture dès lors l'instantané, l'éphémère, mais également l'éternel. La nature, quant à elle, demeure et se renouvelle sans cesse sous l'égide de son grand souverain, l'immuable mont Fuji à la cime enneigée. Créatif, Hokusai joue avec la couleur, et notamment avec le bleu de Prusse, pigment artificiel importé de Hollande depuis peu, plus intense et profond que les bleus naturels traditionnellement utilisés. Le maître s'amuse des effets d'atmosphère, de l'anecdotique, et allie la tradition picturale japonaise, largement influencée par le modèle chinois, à la perspective occidentale. Le succès de ces estampes est considérable et popularise le genre du paysage. Dès lors, l'éditeur d'Hokusai lui commande dix nouvelles planches, Le Fuji vu de l'autre côté. C'est donc une intégrale de quarante-six estampes au total qui est reproduite dans ce coffret, accompagné d'un livret explicatif décrivant chacune des estampes de la suite la plus célèbre du grand maître japonais.
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Hokusaï

Henri Focillon
- Nouvelles éditions Scala
- Art Japonais
- 20 Octobre 2023
- 9782359882926
Admiré en Occident dès la fin du XIXe siècle, Hokusai (1760-1849) est l'un des plus grands artistes japonais. Il a laissé une oeuvre immense, au-delà de la célèbre série des Trente-Six Vues du mont Fuji et de son recueil de dessins, la Manga.

Peintre, dessinateur, théoricien, il fut l'exemple même de l'artiste ne vivant que pour son art. Observateur inlassable, il a accompli une simplification des formes et fait des contrastes et des harmonies de couleurs un usage qui renouvela l'art de l'estampe ukiyo-e.

Tout en brossant le portrait de l'artiste, Henri Focillon est le premier à poser sur l'art japonais un regard analytique. Après avoir rappelé les caractéristiques de cette tradition artistique, et situé Hokusai par rapport à elle, il s'intéresse aux thématiques de l'oeuvre, au dessin, à la composition et à l'usage de la couleur.

Illustrée par près de 300 oeuvres, dont douze de ses principales séries, le Hokusai de Focillon reste la monographie de référence sur l'artiste.
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Le style années 50 ; l'intégrale

Dominic Bradbury
- Éditions Parenthèses
- Arts Temoins
- 8 Octobre 2020
- 9782863643662
Les années cinquante et soixante sont parmi les plus marquantes et les plus créatives de l'histoire du design.
Dans cet après-guerre consumériste, la nouveauté est portée aux nues et s'invite dans tous les secteurs de la conception. De la Vespa à l'Instamatic, des meubles Knoll aux caractères Helvetica, studios, ateliers et usines, inventent et diffusent les formes d'un monde nouveau.
Tour d'horizon complet du style années cinquante, cet ouvrage, riche de mille photographies et d'articles signés par les plus grands spécialistes du domaine, est une aubaine aussi bien pour l'antiquaire et le collectionneur que pour le simple amateur d'objets aux lignes incomparables.
Art, design, architecture, mobilier, luminaires, objets, textiles, intérieurs, graphisme...
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La bande dessinée au musée

Anne Lemonnier
- Centre Pompidou
- Catalogues Du Mnam
- 29 Mai 2024
- 9782844269843
L'univers de la bande dessinée s'invite au coeur de la collection du Musée national d'art moderne du Centre Pompidou. Au niveau 5, six maîtres historiques de la bande dessinée sont exposés en contrepoint du parcours permanent de la collection moderne (1900-1960). En parallele, des auteurs contemporains présentent des planches en dialogue avec des grands noms de l'art moderne : Henri Matisse, René Magritte, Mark Rothko, Francis Picabia ou encore Theo Van Doesburg...
Grand format 25.00 €

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Bande dessinée 1964-2024 : Album de l'exposition

Anne Lemonnier, Emmanuelle Payen
- Centre Pompidou
- Catalogues Expositions Eco
- 22 Mai 2024
- 9782844269836
L'exposition présentée en Galerie 2 au Centre Pompidou de fin mai à début novembre 2024 est une véritable célébration de la BD. Elle offre une immersion dans des univers multiples, allant de la ligne claire franco-belge au manga japonnais, des foisonnements graphiques de l'underground aux styles contemporains les plus abstraits. 54 oeuvres présentées dans le parcours sont rassemblées en 4 grandes sections dans l'album, constituant ainsi un condensé de l'exposition : 1) Rire, effroi, noir et blanc / couleur 2) Rêve, écriture de soi, au fil des jours 3) Histoire, littérature 4) Anticipation, villes, géométrie En 60 pages, l'album donne à voir les thèmes chers à la bande dessinée illustrés par les auteurs les plus emblématiques : la contre-culture, le rire et l'effroi, la littérature et la mémoire, le rêve et l'écriture de l'intime, l'architecture ou la ville...
Grand format 10.50 €

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Attraper la course : Catalogue FIBD 2024

Maria Pourchet, Lorenzo Mattotti
- Casterman
- 1 Mai 2024
- 9782203287594
Attraper la course, c'est-à-dire : la décomposer, l'animer, en collectionner les répétitions et les variations. Voici le geste époustouflant déployé par Lorenzo Mattotti, artiste majeur du 9e art, à travers une centaine d'oeuvres originales, au sein d'une série d'expositions inscrites dans le projet L'Art de courir (labellisé Olympiade culturelle, en partenariat avec le Comité Offciel des Jeux Olympiques et Paralympiques 2024). Ses figures de coureurs invitent à entrer dans les couleurs de la course, à en épouser la vitalité.
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William Heath Robinson Tome 2 : anthologie

William Heath Robinson
- Monts Metalliferes
- 6 Octobre 2023
- 9782957705481
Après un premier volume consacré aux sports et aux loisirs, voici le deuxième volume de notre anthologie du « Roi du gadget », le génial William Heath Robinson (1872 - 1944). Sa popularité est telle en Angleterre que son nom est entré dans le langage courant pour désigner des machines d'une complexité folle mais dépourvues de toute utilité réelle.
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Pour une esthétique de l'émancipation : produire les lignées d'un art queer

Isabelle Alfonsi
- B42
- 20 Septembre 2019
- 9782490077137
Dans Pour une esthétique de l'émancipation, Isabelle Alfonsi emprunte à la philosophe Geneviève Fraisse le concept de « lignée » et exhume des pratiques artistiques du passé, afin de faire émerger une lecture féministe et queer de l'art contemporain. Ce texte cherche à montrer comment l'écriture de l'Histoire de l'art avec un grand H a minoré l'importance des engagements affectifs des artistes, rendant ainsi inopérante la portée politique de leurs oeuvres. Les pratiques de Claude Cahun ou Michel Journiac sont ainsi replacées dans le contexte du militantisme de défense des droits des homosexuel-le-s de leurs époques respectives. L'histoire du minimalisme états-unien est revisitée à travers ses figures les plus périphériques afin de lire Lynda Benglis et ses productions des années 1970 comme les premières représentations d'un féminisme pro-sexe, comprendre Lucy Lippard à travers le prisme de la formation d'une critique sociale radicale et féministe ou encore de voir l'expression de subjectivités féminines dans les recherches filmiques d'Yvonne Rainer. Isabelle Alfonsi entend ainsi participer à l'écriture d'histoires de l'art plurielles, incarnées et affectives, et met l'accent sur l'importance du contexte social, politique et personnel dans l'interprétation des oeuvres.
Grand format 22.00 €

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Alphabet Alemagna / Alemagna's alphabet

Collectif
- La Partie
- 7 Septembre 2023
- 9782492768743
La première monographie consacrée à l'oeuvre de Beatrice Alemagna, artiste, autrice et illustratrice mondialement reconnue. À l'occasion de deux grandes rétrospectives en Italie et en France en 2023, un précieux essai monographique a été réalisé. Divisé en 22 entrées, du A de «Animaux» au T de «Théâtre» en passant par le I de «Identité» il guide les lecteurs dans l'oeuvre de l'artiste, et l'éclaire grâce à un riche répertoire d'images souvent inédites et aux interventions critiques de spécialistes de l'image et de la littérature jeunesse tels que Martino Negri, Sophie Van der Linden, ou Giovanna Zoboli.
Grand format 25.00 €

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Cabu ; une vie de dessinateur

Jean-luc Porquet
- Gallimard
- Beaux Livres
- 4 Octobre 2018
- 9782072729195
À quinze ans, Cabu publie son premier dessin dans la presse. Pendant plus de soixante années, pas un jour sans qu'il n'ait pris son crayon. Dessin d'humour, caricature, reportage en France et à travers le monde, illustration, improvisation en direct à la télé : Cabu a tout fait. Inventé des archétypes, comme le Grand Duduche et le Beauf. Fait partager ses passions pour le jazz et Charles Trenet. Mené des combats sans relâche pour le pacifisme, l'écologie, la liberté d'expression, la tolérance.

Cabu gardait tout, carnets de croquis, photos, coupures de presse, documentation, pièces de procès... Cette biographie très documentée est écrite par Jean-Luc Porquet, qui a bien connu Cabu et interrogé tous ses proches, famille, amis, collègues. Elle s'appuie également sur des archives incomparables communiquées pour la première fois par sa femme Véronique. Elle nous permet de redécouvrir un dessinateur mais aussi un homme exceptionnel.
Grand format 39.00 €

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Le destin des images

Jacques Rancière
- La Fabrique
- 20 Octobre 2003
- 9782913372276
" le moderne dédaigne d'imaginer " disait mallarmé.
Poètes, peintres, dramaturges ou ingénieurs voulaient alors mettre l'union de la forme et de l'acte à la place de la vieille dualité de la réalité et de l'image. la vie en eût été révolutionnée. nos contemporains ne croient plus en la révolution et chantent à nouveau, fût-ce au passé, le culte de l'image : éclair sublime sur la toile, punctum de la photographie ou plan-icône. l'image devient la présence sensible de l'autre : verbe devenu chair ou marque du dieu irreprésentable.
A l'une et l'autre vision jacques rancière oppose la nature composée, hétérogène, de ce que nous appelons des images. celles-ci ne sont ni des copies ni des présences brutes, mais des opérations singulières, redistribuant les rapports du visible, du dicible et du pensable. a l'exemple de la phrase-image de godard, étudiée ici, qui superpose un plan de film noir, une image de l'extermination des juifs et un discours de philosophe, ce livre analyse les liens méconnus qui unissent symbolisme poétique et design industriel, fictions du xixe siècle et témoignages sur les camps ou installations de l'art contemporain.
Un même projet anime ces parcours croisés : libérer les images des ombres théologiques pour les rendre à l'invention poétique et à ses enjeux politiques.
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